CON EL CAÑÓN EN LA BOCA

Un espacio para el desahogo, para el ahogo, para la soledad, para la compañía, para perder el control y retomarlo, para perderse completo y reencontrarse a medias, para ser un personaje y ser el autor al mismo tiempo, para gritar desaforado todos los silencios.

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Nombre: Ricardo Hinojosa Lizárraga
Ubicación: Miraflores, Lima, Peru

Comienzo esto a la edad en que otros han terminado todo lo que les quedaba por hacer en vida: Hendrix, Morrison, Janis, Cobain. Que poco pueden parecer a veces 27, cuanto pueden significar en otras ocasiones. Fuera de eso, ya cumplí con los rituales del colegio y la universidad, el de los vanos intentos de socialización, el de la escuela de vida que te prepara para saber adonde no volver, o como extraviarte totalmente en la búsqueda de ser individual y no borrego de modas y antojos circunstanciales. Aunque, a pesar de eso, prosiga ahora como todos, como uno más, ganándome el pan y trabajando, cumpliendo protocolos y horarios, aunque prefiera quedarme en casa, escribir según mi ánimo, darle curso al onanismo (el mental y todos sus hermanos), almorzar cuando no toque, escupir al cielo eventualmente o sencillamente chasquear los dedos frente al público y hacer mi gran desaparición. A pesar de todo eso, estoy aquí, sacando bien, siempre con el cañón en la boca, tentando el número final que me haga perenne.

julio 30, 2007

HISTORIA DE UN SARGENTO QUE NO NECESITA ASCENSOS





Difícilmente podrá haber un año tan significativo para el rock como 1967. En medio de los humeantes ímpetus del verano del amor, la tensión por la guerra de Vietnam, la muerte del Che Guevara y los acelerados cambios sociales, diversas agrupaciones demostrarían que todo era posible en el universo de las sonoridades, pues una pléyade de maestros se aprestaba a dejar un legado inigualable a las siguientes generaciones, sea para el puro disfrute o para caminar tras sus pasos. El Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band de los Beatles marcó un antes y un después en la historia del rock, redefiniendo conceptos, rediseñando al grupo y replanteándonos la eterna búsqueda de la esencia real de lo sonoro, lo aéreo, lo tangible, a través del viaje ácido ocasionado por los 13 tracks que integran el disco. Si bien el aura lisérgica era proporcionada tanto por la música misma, como por la leyenda alrededor de Lucy in the sky with diamonds y la relación entre sus siglas y el LSD, también influenció el hecho de que en el mismo estudio Abbey Road, en una sala contigua a la que los Beatles usaron para esta grabación, Roger Waters, Syd Barret, Rick Wright y Nick Mason estuvieran forjando a punta de alucines la ópera prima de Pink Floyd, el The piper at the gates of dawn, germen de la más pura psicodelia, aquella droga rítmica que impuso sus no-reglas desde ese momento. Y los Beatles, al abandonar la fórmula pop que más los caracterizaba hasta ese día, también tomaron un riesgo. Siendo el grupo más popular del mundo, fueron capaces de cambiar Love me do por Within you without you o I want to hold your hand, por Getting better o Fixing a hole, otras de las joyas del disco. Y nunca volvieron a ser los mismos. Además, buscaron ser cubiertos en la aventura por unos alter ego que formaran un Club de Corazones Solitarios, cuando a ellos ni la prensa ni sus fans los dejaban solos ni un instante. Quisieron que sus principales referentes culturales aparecieran en una portada que les rendía tributo, pues Lennon, McCartney, Harrison y Ringo decidieron desde este momento no ser solo unas estrellitas más del showbusiness, sino verdaderos músicos enfocados en su obra artística, revalorándola como un concepto en el que todos tenían algo que aportar. Mientras tanto, alrededor de ellos en el mundo, otros también trataban de transgredir lo estipulado a su manera ese mismo año. Casi frente a ellos, los Rolling Stones, aún con Brian Jones como factor sorpresa, editaban el Their satanic majesties Request. Lou Reed se sacaba la jeringa del brazo para debutar con la Velvet Undreground y volvérsela a poner, Janis Joplin ya sangraba con su canto en el debut de Big Brother and the Holding Company, tras su magnífica performance en el Monterrey Pop Festival. Clapton y Cream grababan el Disraeli Gears. David Bowie, Grateful Dead y The Doors debutaban con álbumes epónimos. Algo comenzaba a gestarse, algo estaba sucediendo en el mundo mas allá de los gobiernos caídos, las guerras y sus bombazos de injusta casualidad. A veces un ser humano cumple 40 años y empieza a darse cuenta que ya no es el mismo de antes, que algo de su esencia se ha perdido en el camino. Pero el Sgt. Pepper´s no. El Sgt. Pepper´s nunca. El Sgt. Pepper´s es cada vez mejor mientras más tiempo pasa, mientras más se le disfruta y se deja uno volar. ¿O alguien duda hoy de su vigencia?.

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julio 14, 2007

ORIGEN E INMORTALIDAD DEL DOLOR (Centenario de Frida Kahlo: 1907-2007)


Muchas veces, cuando un ser humano común y corriente pasa por una experiencia negativa que lo sumerge en el dolor más desgarrador imaginable se pregunta ¿Por qué a mi? Y, en la mayoría de los casos se deja abrumar por la pena y vencer por el llanto. En cambio otros, también destinados a caminos trágicos, pero que generalmente no parecen ni comunes ni corrientes, aprenden a canalizar la insistencia de estos sucesos y los convierten en arte. Ese fue el caso de Frida Kahlo. Nacida el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México; no solo superó en mucho la fama de su célebre esposo, el pintor Diego Rivera, sino que se convirtió en un símbolo notorio de independencia y rebeldía contra los convencionalismos sociales y morales de su época, movida por la pasión y la sensualidad. Sobreponiéndose a la polio que la afectó desde muy niña y que dejó dolorosas secuelas en una de sus piernas, al accidente que fracturaría su vida, dejándola largo tiempo en cama, sin la posibilidad de tener hijos y sometiéndola a 32 operaciones a lo largo de su existencia, y a las constantes infidelidades de Diego Rivera, Frida empezó a caminar sobre óleos, sobre imágenes oníricas, sobre las fantasías que le daban forma a los colores que flotaban solitarios alrededor de su habitación. Y a través de ese dolor, hizo más que pintar sus cuadros, sangró sobre ellos lágrimas y tormentos, físicos y mentales, y esa hemorragia fue el arte que pintó el dolor que muchos otros no tuvieron ni tendrán nunca la oportunidad de pintar. A pesar de esto, Frida respondería a un bien intencionado calificativo del epítome del surrealismo, André Breton, quien la definiría como representante de dicha corriente, afirmando que "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad". Justamente gracias a Breton, expone en París en 1939. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Ya entonces Frida era conocida en el mundo entero. Para ese tiempo tanto ella como su marido habían entablado estrecha relación con miembros del Partido Comunista, llegando a albergar al mismísimo León Trotsky en su casa (y en el lecho de Frida). En 1953 es llevada en ambulancia a su primera exposición en México, al poco tiempo le amputaron la pierna, pero nadie pudo amputarle el alma, ese color indescriptible que se ha perennizado en cada parte de sus obras, aún hoy, 100 años después de su nacimiento. Su cuerpo adolorido se hizo pintura y recuerdo el 13 de julio de 1954. Acababa de cumplir 46 años. Las últimas palabras que escribió en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver".

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